LOS 10 MEJORES DISCOS NACIONALES DEL 2014

Durante el año que termina, el panorama musical nacional ha dado muestras de atravesar por uno de sus mejores momentos. Desarrollando estilos de lo más diversos, varios de nuestros artistas han entregado discos tan bien logrados que nos permiten mirar con ilusión el futuro devenir de la escena, como no sucedía en mucho tiempo. Entre todas esas propuestas, estas son nuestras 10 favoritas. 

1. PAUCHI SASAKI & JUAN PABLO ARAGÓN
Pauchi Sasaki & Juan Pablo Aragón
Buh Records

Pauchi Sasaki & Juan Pablo Aragón

El 11 de junio del 2014, Pauchi Sasaki y Juan Pablo Aragón (Pilotocopiloto) subieron juntos al escenario del miraflorino Irish Pub y en un afortunado arrebato de inspiración, consiguieron extraer de sus instrumentos (violín y guitarra eléctrica respectivamente), así como de su pequeña gama de artilugios electrónicos, los sonidos más estremecedores que hayamos podido contar en el apartado local durante el último año. En perfecta asociación y compartiendo el protagonismo, los dos músicos desplegaron cuotas significativas de su talento y experticia para la creación de esta notable muestra sónica (grabada directamente desde la consola) que estimula los sentidos mediante un muy imaginativo uso de efectos y loops, aplicados con destreza, como tenues pinceladas, sobre este vívido lienzo sonoro, cuya percepción llega a conmover a la vez que impresiona por su naturalidad, siendo su brevedad el único aspecto que podría reprochársele (un solo corte, “PSJA”, de casi 20 mágicos minutos de duración, es el que incluye este disco).

Lanzado en CD-R en una tirada muy limitada, a la fecha agotada, de 50 ejemplares, es bueno saber que se viene preparando una conveniente reedición formal, que incluirá algunos bonus, para el próximo año. Una recuperación que se hace justa y necesaria, pues pocas veces un ejercicio de improvisación musical ha dejado un resultado tan satisfactorio como el que aparece contenido en esta singular grabación, que reivindica la espontaneidad y la creación libre como método para alcanzar la excelencia sonora. (Carlos Quinto)

2. MOLDES
Aguas de Marte
A Tutiplén

Moldes - Aguas de Marte

Si su álbum debut ofrecía suficientes indicios para confiar en el futuro de la banda y aguardar expectantes una segunda entrega (allí estaba “Trés Malade”, deslumbrante apertura que ponía el listón muy en alto ya desde el inicio del disco), Aguas de Marte encarna el fortalecimiento de una propuesta sonora que cobija abiertamente una faceta experimental a la vez que aboga por un acercamiento, llamémosle “oblicuo”, al formato de canción. Basta con escuchar el tratamiento de las voces en la primera triada de temas para hacerse una idea de los nuevos objetivos que la banda parece tener en miras y de la importancia que le otorgan al proceso de grabación: si antes las voces de Katia y Efrén asomaban en primer plano en franca sintonía con planteamientos, digamos que, más “rock”; ahora sus voces se presentan ininteligibles la mayor de las veces, han devenido en texturas, en timbres, una capa más en el acabado sonoro de las canciones. Vocación psicodélica que se complementa perfectamente con las elevadas cuotas de distorsión provenientes de la guitarra de Efrén, que en sus mejores momentos irrumpe como una fluorescencia eléctrica que arrebata, que te lanza fuera de sí (impagable el solo de guitarra que cierra “El Péndulo” o los punteos de la brutal “Genghis Khan”). Aun con sus lagunas y pasos en falso, Aguas de Marte certifica tanto el crecimiento como conjunto de Moldes, así como el momento de gracia creativa de la que ha de ser, probablemente, la mejor banda de rock del medio. (Rony Quiroz)

3. ORQUÍDEA
Abril
Hype Records

Orquídea - Abril

Desde Arequipa con amor. Superando largamente los aciertos de su recomendable EP Translúcido (2004), Raúl Begazo y Abdel De La Cruz ofrecen en su primer álbum como Orquídea, toda la experiencia adquirida durante estos últimos diez años, en los que han estado inmersos en más de una aventura musical paralela. Para la ocasión, es Raúl quien toma las riendas del conjunto, aportando más de la mitad de las canciones y registrándolas aprovechando las ventajas de contar con su propio estudio. El repertorio, aunque adapta todos los tics del denominado shoegaze (las voces susurrantes, las pedaleras de efectos exprimidas al tope), queda impreso del sello particular del dúo, que demuestra prestancia y personalidad en cada uno de sus temas. Desde el arranque con “Input (Intro)” – donde se inserta la voz de Jessica Lobón en muy bien aplicado detalle- hasta el cierre levitante de “Output”, la solidez instrumental del grupo queda evidenciada de forma instantánea. En el medio, la potencia de “Se va” (donde los punteos de Abdel se contraponen a las guitarras desbordantes de Raúl en eficaz combinación), la belleza de cortes como “Ultra Cold” y “Abril” (justificando a plenitud la etiqueta dream pop), y los tímidos coqueteos con la electrónica (los loops de “Untitled”) y el post rock (“Mat04”), nos permiten recordar que el objetivo primordial de todo buen disco debe ser el de contar con melodías bien resueltas, un requisito que en Abril se cumple a cabalidad. Una de las sorpresas más gratas que nos deparó este año. (Carlos Quinto)

4. REGISTROS AKÁSICOS
Mariana
Independiente

Registros Akásicos

Colaboración a distancia: Aldo Castillejos (ex Dios me ha violado, ex Espira, ex Serpentina Satélite) y Sandra Villarreal, emprendieron este proyecto intercambiando durante un año bases, pistas y tomas vocales a través del correo electrónico, sin necesidad de encontrarse físicamente, hasta llegar a definir las ocho canciones de este disco. La rítmica punzante de “The Stranger” (compuesta por Aldo para un proyecto anterior), compite con el bálsamo onírico de “Mariana” por el puesto de mejor tema del álbum. En ambas, la voz de Sandra, grabada aunque no se crea utilizando el micro de su Mac, se desplaza con fluidez y soltura sobre el tramado instrumental. La frenética batería de “Io Io (Space)”, que en un principio parece remitir al “Never Understand” de JAMC, se combina con sonidos que parecen extraídos de los ARP Odisseys y Polymoogs que solían manipular tanto los Ultravox como los Tubeway Army durante los últimos 70’s, timbres que también se perciben en la lúdica “Gracia Baila”. Al final, el dúo vira con éxito al techno en la hedonista “Mon Cri du Bout du Monde”, manteniendo el pulso electrónico en “Conrad 9”, de corte más atmosférico. Resumiendo, Mariana es una feliz combinación de referencias (new wave, post-punk, post rock, space rock) que refuerzan la propuesta de la agrupación como esa “memoria de todo lo acontecido” que su nombre sugiere.  A esperar su próximo estreno en directo. (Carlos Quinto)

5. BRAYAN
Madre Montaña de Amor y Pureza
A Tutiplén

Brayan

Partiendo de la idea de musicalizar lo que sería la estancia de un hombre en el campo, el joven Brayan ha compuesto una de las más bellas anomalías salidas de la escena independiente local en mucho, mucho tiempo. Tomando distancia de la ciudad y de las referencias a la convulsa urbe, el espíritu del álbum parece actualizar el viejo ideal de sosiego y plenitud bucólica horaciano, haciendo de este Madre Montaña de Amor y Pureza una suerte de versión particular del Epodo II del poeta latino. Acompañado únicamente de una guitarra y siempre con la naturaleza como una presencia a lo largo del disco, las canciones de Brayan se presentan afirmativas en su simpleza y desnudez: ya sea por su forma de rasgar la guitarra (que puede traer a la mente algo del folklore andino como también a la psicodelia británica más pastoral) o por su breves y reiterativos fraseos, el conjunto de temas tiende a alejarse de la estructura narrativa típica del folk, apostando básicamente por la repetición de melodías y frases con un efecto hipnótico casi mántrico. Pero al margen de lo puramente técnico, tal vez lo más significativo del álbum de Brayan radique en el estado de gracia total que trasmite su música en cada acorde, en cada palabra entonada. Un estado de plenitud espiritual y de armonía cósmica frente al cual solo se puede responder con infinita y sincera gratitud, ya sea por el carácter insólito de su obra, ya sea por su emotiva e inusual generosidad.  (Rony Quiroz)   

6. LIQUIDARLO CELULOIDE
Vértigo Magnético
Buh Records

Liquidarlo Celuloide - Vértigo Magnético

Hay tres momentos previos a la aparición de Vértigo Magnético que suelen volver a mi cabeza cada vez que pienso en la banda: 1. La aparición de No Más Video circa 2005. 2. El bestial inicio de su presentación en el concierto por el 10avo aniversario del disco debut de El Aire, aún con Valentín Yoshimoto en la guitarra. 3. El videoclip de efectos narcóticos que Juan Salas realizó para “Bengalas a Media Noche”, uno de los cortes de Disturbia Ingrávida (2012). Desde los exasperantes paisajes sonoros cargados de mala vibra de No Más Video, pasando por su redefinición como proyecto grupal hasta llegar a los momentos de ruido casi contemplativo de “Bengalas a Media Noche”, si algo ha sido una constante en el proyecto a lo largo de estos años es su inquieta necedad por no repetirse, una suerte de “revolución permanente” donde el fundamento lúdico es primordial. Vocación de cambio que se extiende también a este nuevo álbum, donde nos percatamos tan solo llegando al segundo track que la base rítmica de LC ¡también tiene groove! Un groove marcial y desangelado, es verdad, impersonalmente post-punk, pero que incita al movimiento al fin y al cabo. En líneas generales, Vértigo Magnético es un disco que se disfruta mejor a un volumen considerable, con el vendaval de ruido a tope y una extraña sensación de júbilo apoderándose de tu cuerpo y tu mente (como la felicidad del niño que destruye su juguete para armarlo y desarmarlo una y otra vez). (Rony Quiroz)

7. SAD ANIMALS
A Friend EP
Indian Gold Records

Sad Animals - A Friend EP

“Sad Animals hace música triste para gente feliz”. Así define su joven autor, Aarón Saavedra, el esquema sonoro desarrollado en este proyecto unipersonal que se estrenó a inicios del 2014 con este EP (editado en formato de cassette) de sencillos pero cautivantes instrumentales de planeadora electrónica casera, acabado minimal y patente filiación ambient. A Friend sorprende, tanto por la efectividad de sus melancólicas melodías (inspiradas seguramente en las residencias en su natal Chiclayo y en Italia), como también por la precocidad de su compositor, quien contaba con tan solo 17 años cuando elaboró este destacable corpus de trabajo. Cinco temas (entre los que resaltan la evocadora “A Friend” y la dramática “Too Young”), dos remezclas y una versión alternativa para la cósmica “Soulmates”, completan este muy interesante lanzamiento, tan sugerente como la hermosa fotografía de Natascha Perroti que ilustra la portada, ideal para abstraernos del mundo por unos instantes y sumergirnos en el placer de la contemplación.

Habiendo cumplido ya la mayoría de edad, y tras haber firmado su incorporación al recientemente formado label Surrounding, este primer esfuerzo sitúa a Sad Animals como una de las promesas más firmes de la movida local. Y es que tiene a su favor todo el tiempo del mundo para superar este precedente. (Carlos Quinto)

8. MONTIBUS COMMUNITAS
The Pilgrim to the Absolute
Beyond Beyond is Beyond Records

Montibus Communitas - The Pilgrim to the Absolute

A primera escucha, la música de Montibus Communitas no pasaría de engrosar aún más la dudosa lista de discos catalogables bajo la etiqueta de “música para relajación”; sin embargo, nada más alejado del orientalismo de manual y de efectistas grabaciones ambientales. Al igual que su maravilloso Hacia Aquellos Bosques De Inmensidad (2013), este nuevo LP posee una intencionalidad mucho más profunda y trascendente: combinar lo espiritual y lo físico, hacerlo “uno” a través del sonido. Música que se eleva en sus ansias de abrazar lo absoluto sirviéndose de ecos, reverberaciones, field recordings y demás técnicas de grabación avant la lettre, y que en su búsqueda del sonido primordial, de la vibración adecuada nos hace partícipes de un ritual que llamativamente tiende puentes entre el pasado más remoto y la más tecnificada modernidad (hay que atender, por ejemplo, a la percusión elemental de algunas de sus piezas o al sampleo/tratamiento electrónico de varios sonidos de la naturaleza para captar cuánto de atávico y cuánto de actual hay en el álbum). Tiempo atrás un furibundo Wu-Ming 1 afirmaba que toda vanguardia no es más que un saludable retorno a lo antiguo, y The Pilgrim To The Absolute parece refrendar aquella idea a la manera de un viaje sonoro metafísico, que de tan sutil y poderoso nos arrastra como una corriente hacia lo inefable. (Rony Quiroz)

9. CATERVAS
Lo que brilla en tu paisaje
Cuaderno Roto Producciones

Catervas - Lo que brilla es tu paisaje

Desde su estreno en 1998 con aquella legendaria maqueta/cassette que incluía joyas indiscutibles como “b-2ble-p” y “Cíclica”, cada nuevo lanzamiento de los Catervas ha sido siempre recibido con expectativa y beneplácito. Su más reciente Lo que brilla en tu paisaje mantiene su nivel habitual y los encuentra ya convertidos en una de las agrupaciones locales más importantes del medio. El single de anticipo, “Atemporal” (con video dirigido por su tecladista, Juan Esquivel), queda como una muestra de los nuevos aires que caracterizan hoy al cuarteto. Su evolución particular los ha llevado ahora a montar canciones de formato más clásico, con estribillos pop muy bien elaborados, capaces de enganchar desde el vamos, y con una base rítmica cada vez más cómplice y afiatada. Es su lado introspectivo, con la estupenda “7 días” a la cabeza, el que acaba sobresaliendo, gracias a su breve pero sentida introducción y a esos arrebatadores ‘sintes’ que la cierran con total propiedad. “Abre la ventana” se ubica en ese mismo rango de emoción, beneficiándose de los coros de Lynda Cornejo, también presente en “Latir por ti” y “Canciones en el aire”. La reflexiva “Alejándome” ratifica el buen momento de la banda y confirma su vigencia creativa. Después de ver el increíble concierto que protagonizaron hace unos días, me atrevo afirmar que lo mejor de Catervas aún está por llegar. Suscribo convencido la apuesta. (Carlos Quinto)

 

10. LAS AMIGAS DE NADIE
Human Dress
A Tutiplén

Las Amigas de Nadie - Human Dress

Basta escuchar el primer track para darse cuenta del salto artístico que representa este disco en la trayectoria de Las Amigas de Nadie. “Human Dress”, sostenida sobre un consistente basamento electrónico, apela a una rítmica contagiosa y a unos muy bien trenzados juegos de voces (de espíritu cercano al de la Björk de PostHomogenic) para situarse automáticamente entre los temas estelares del 2014. Aún resuenan los toques de la magnífica apertura cuando emergen, encantadores, los vaporosos motivos melódicos de “Milón”. El crecimiento de Ale Hop como compositora es más que notorio, así como también lo es su probada pericia a la hora de grabar y mezclar su material. Tanto, que la calidad del sonido es un aspecto que debe remarcarse. Los murmullos etéreos de “El sol saldrá mañana” y la pegadiza frescura pop de “Give it up”, completan el póquer de ases de esta baraja musical. Mención aparte merece el hermoso empaque de presentación, diseñado también por Ale Hop, con ilustraciones del artista plástico Eduardo Tokeshi, un plus que acaba incrementando el valor de Human Dress y lo termina de ubicar como uno de los álbumes de mejor factura de la temporada. Que no quede duda, este disco es cosa seria. (Carlos Quinto)

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